Primăvară/vară 2026 ne aduce unele dintre cele mai interesante, creative și uimitoare colecții până acum. Iată tendințele :

1.Texturi artizanale

În acest sezon, un grup de designeri redescoperă artizanalul. Bottega Veneta își transformă colecția într-un‘ Workshop venețian’, dând mână liberă artizanilor meșteșugari și a tehnicilor tradiționale italiene.

Apar pe catwalk deasemenea și fustele asimetrice pentru coapse, decorate cu ciucuri supradimensionați, în colecția Pieter Mulier, iar la Sharon Wauchobferms, rochia albă din tulle de mătase, care este finisată manual cu pene.

2. Monocrom

Când vine vorba de momente de referință în luna modei, spectacolul Saint Laurent este esențial. Sub un turn Eiffel sclipitor, Anthony Vaccarello prezintă colecții care nu sfidează niciodată marca.

În acest sezon, el a deschis Paris Fashion Week cu o serie de combinații alb-negru, cu jachetele sale din piele, decorate cu fuste creion potrivite, pentru personalități ai lumii mondene, precum Madonna, fiica ei Lourdes, Zo Kravitz și Hailey Bieber.

Veronica Leoni de la Calvin Klein începe cu o rochie mini albă, elegantă, asezonată cu un văl sofisticat, în timp ce Colleen Allen, crează cea mai rafinată rochie de seară neagră, fără spate. “În New York, am văzut o prezență puternică a stilului monocromatic, pe care l-am iubit cu adevărat,” spune Chartrand.

3. Joc primar

La capătul opus al spectrului, atingând optimismul de primăvară, vin culorile primare vibrante. Chemena Kamali de la Chloe – Cool-girl, se joacă cu cele mai vibrante nuanțe de violet, combinând pantalonii de un liliac fin, cu un top clasic parizian și o centură de piele.

Aduceți o atmosferă de vară în dulapuri cu rochia midi de un galben însorit de la Proenza Schouler sau cu geanta de un roșu aprins de la Savette Teamings.

4. Accente florale de primăvară

Desigur, nu inovatoare, dar într-adevăr superbe, imprimeurile florale au împodobit prezentările de primăvară/vară. Spectacolul Chloe s-a deschis cu o serie de topuri și rochii florale vesele, inspirate din piese din arhivă, create de fondatorul brand-ului, Gaby Aghion și costume de baie colorate din anii ’50.

La Pacco Rabanne, Julien Dossena face referire și la costumele de baie retro, creând o colecție nostalgică de fuste mini, topuri și pantaloni capri în imprimeuri Liberty și pasteluri – în stil 1960, ochelari de soare cu lentil oglindă.

Adăugați o senzație romantică la un eveniment de seară, cu rochia midi roșie fără bretele creată de Emilia Wicksteadt, împodobită cu crini albaștri. 5.Piele pentru primăvară/vară Cel mai purtat articol în acest sezon este jacheta de piele.

6. Frumusețea dantelei

Sezonul de primăvară-vară aduce în prim plan o estetică moale, romantică. Revin sub lumina reflectoarelor, rochiile frumoase cu elemente croșetate și piese delicate de organza. Se crează un echilibru între îmbrăcămintea comercială și impactul emoțional, produs de emoțiile create de ornamentele delicate.

Designerii joacă un joc de v-ați ascunselea, când ascund, când dezvăluie, corpul, îmbrăcându-l în țesături diafane, așa cum se vede la Valentino Garavani – unde modelele îmbrăcate în rochii subțiri și dantelă diafană sunt așezate sub lumini stroboscopice.

În timp ce această culoare este una prețioasă și luxuriantă, are de asemenea, și o calitate abordabilă care poate conecta diferitele domenii în care apare, la autenticitatea și realismul lumii naturale. „Confundată cu eleganța subtilă și rafinamentul pământesc, PANTONE 17-1230 Mocha Mousse prezintă o notă discretă si gustoasă de glamour”, spune Eiseman.

„O nuanță maro aromată, PANTONE 17-1230 Mocha Mousse ne învăluie cu căldura să senzorială.” În ce privește designul interior, această nuanța caldă evocă un sentiment de confort și armonie în întreaga casă, indiferent dacă este folosită pe pardoseală, pictată pe perete sau în decorul ambiental. „

În fiecare an, începând cu anul 1999, Institutul Pantone Color a ales o nouă culoare pentru a prezenta tendințele emergente și pentru a atrage atenția asupra importanței culorii în design și cultură. În decurs de 365 de zile, Mocha Mousse ne va încânta cu moliciunea sa sofisticată, poate chiar mai mult decât un an.

Alăturându-se grupului exclusiv de culori, atent curățate, și exfoliate, Mocha Mousse este un maro armonios, bogat, care are rolul de a împărtăși plăceri simple, confort și indulgență.

O culoare de împământare, neutră, Mocha Mousse are un potențial bogat pentru utilizări versatile în toate domeniile designului, de la vestimentație la designul interior, jonglând cu autenticitatea unui ton pământesc și cu eleganța sofisticată a unei culori simple.

Designerii și artiștii, reprezentanți ai diferitelor discipline folosesc în mod regulat culorile Pantone în proiectele lor. Aceste combinații de culori și elemente cheie vă pot propulsa proiectele și reprezintă unul dintre elementele de bază ale branding-ului inovator, campaniilor de marketing care stabilesc tendințele care schimbă cultură cromatică.

Culorile anului 2025 au început deja să se rostogolească pe scena creativității și niciodată nu se pot obține suficiente nuanțe bogate și saturate : de la un albastru superb utilizat la bijuterii, la un maro de ciocolată profund, aceste culori fiind alese manual de experții în vopsea, având în vedere cele mai recente tendințe de design.

Până în prezent, culorile anului 2025, își propun crearea unei atmosfere confortabile și relaxante, fără a sacrifica saturația îndrăzneață. Indiferent dacă doriți să vă actualizați culoarea pereților casei sau să reîmprospătați o piesă invechită de mobilier, permiteți acestor nuanțe superbe să vă inspire următorul proiect de renovare a casei.

Nuanțele de maro sunt cele mai fierbinți nuanțe neutre din lumea designului în acest moment, deci această nuanță bogată nu vine ca o surpriză. Fiind asemănătoare cu combinația cremoasă de ciocolată și cafea cu lapte, Mocha Mousse poate fi folosită ca o nuanță indulgentă într-un cadru formal de lux sau ca un clasic atemporal într-un spațiu de locuit tradițional.

Nuanța caldă, maro, care amintește de mousse-ul de ciocolată și cafea latte, își propune să aducă un sentiment de confort, intimitate și eleganță.

Aceasta reprezintă o nuanță versatilă care poate fi combinată într-o multitudine de tonuri, de la nuanțe monocromatice pământești la amestecuri de pasteluri moi, sau chiar combinații exotice de culori vibrante echilibrate cu tonul bogat, dar supus al lui Mocha Mousse.

Acest lucru, face culoarea cu adevărat versatilă, putând acționa fie ca un accent primordial între nuanțe neutre, ca o declarație de impact atunci când este folosită ca o culoare solo, sau ca o nuanță de echilibrare atunci când este asociată cu pigmenți mai adânci.

În fiecare an, în cadrul programului Pantone Color of the Year, Pantone selectează o culoare care, potrivit lor, încapsulează cel mai bine spiritul anului, exprimând o dispoziție și o atitudine globală. Anul trecut, culoarea selectată a fost Peach Fuzz, o nuanță moale între roz și portocaliu, reflectând un sentiment de comunitate și seninătate interioară.

Dar arta nu este pe placul tuturor și nu are același efect asupra fiecăruia, ci este percepută în mod subiectiv de către fiecare persoană în parte. Dorința noastră nu era să fim pe placul tuturor, ce ne doream defapt, era reacția publicului, sentimentul, emoția pe care o trăiește, după impactul spectacolului vizual asupra percepției sale. În momentul în care părăsește sala de spectacol, să fie încărcat de emoția trăirilor, pe care impactul vizual al spectacolului din seara evenimentului, l-a creat asupra sa.

Fiind stabilit conceptul spectacolului, următorul pas era să îmi găsesc protagoniștii, designerii dornici să-și transmită mesajele artistice publicului interesat să le primească. Pentru că Visual Art Show urma să facă parte dintr-un eveniment organizat profesioniștilor din domeniul hair-styling-ului, designera pe a cărei personalitate și dinamism am construit intreaga poveste este Keresztes Krisztina. Krisztina Keresztes este absolventă a Facultății de design din Timișoara și Director artistic la Intercoiffure România. Show-ul vizual pe care Krisztina îl construiește, se realizează prin interacțiune umană dinamică, printr-o plimbare vizuală, abordată prin prisma artei designului vestimentar, a coafurii experimentale, a proiecției video și a muzicii, transpuse într-o REVOLUȚIE a simțurilor, o prezentare avangardistă, cu un concept dinamic, de tip happening.

Eva a avut-o pe Krisztina Keresztes invitată de onoare la fiecare ediție Beauty Days de până acum, iar eu aveam ocazia să construiesc un spectacol vizual, cu participarea și a altor designer, care să fie dispuși să își construiască mesajul artistic, în maniera Krisztinei. Un alt designer care de o lungă perioadă de timp, nu a dezvoltat o colecție proprie, deși colecțiile lui întotdeauna au însemnat un moment special pentru public, este Zsolt Popa. Eva Czikai i-a lansat lui Zsolt invitația de-a participa la Beauty Days 2024, iar Zsolt dornic să realizeze o colecție proprie, după atâta timp de absență de pe catwalk, a răspuns pozitiv provocării. Doar că nu era suficient pentru un spectacol cu un concept clar și un mesaj important de transmis, evoluția a numai două colecții, era necesar să construiesc o echipă întreagă de designeri care să pună în aplicare conceptul.

Cei care muncesc în domeniul prezentărilor de modă și a show-urilor de hair-styling știu foarte bine că pregătirea la peste 20 de manechine, a machiajelor și coafurilor este o muncă susținută, elaborată, care necesită dăruire și profesionalism. Ideea de-a lucra cu elevele Colegiului Tehnic ‘’ Elisa Zamfirescu “ a venit din partea Evei Czikai, cea care are o colaborare frumoasă cu doamnele profesoare care se ocupă de pregătirea viitoarelor coafeze și artiste make-up. D-le profesoare : Marinela Bozga pe partea de coafură și Florentina Handrău pe partea de machiaj au acceptat provocarea de-a pregăti modele pentru scenă.

Încă din timp s-a stabilit împreună cu toți designerii care este linia generală a hair-styling-ului care se va potrivi celor trei colecții, iar elevele au început să exerseze pe baza acestei teme, și anume : ‘’ Împletituri ‘’. Fiecare designer avea de îndeplinit un proces de creație complex, prin care expresia vizuală trebuia realizată prin colecția în sine, coregrafie și mișcare de scenă, precum și editarea filmului care urma să ruleze pe ecranul din fundal. Întăi de toate, trebuia să cunosc eu mai întâi care este tema colecției. Încet-încet toate etapele pregătirii s-au concretizat și spectacolul începea să se contureze. Spectacolul a debutat cu prezentarea intitulată (R)EVOLUTION, a designerei Keresztes Krisztina. Personalitate efervescentă, dinamică, extrem de talentată și creativă. Krisztina este Krisztina este absolventă a Facultății de Artă și Design din Timișoara, în prezent fiind Director artistic al Intercoiffure România.

Krisztina a sosit din Timișoara cu trei modele pregătite de ea, lângă care urmau să se alăture alte trei modele din Satu Mare : o doamnă cu forme rubensiene, un tânăr cu o freză specială și o doamnă cu părul grizonat. Povestea lui Krisztina s-a derulat în 5 secvențe muzicale, în timp ce pe ecran apăreau 5 filmulețe. Atât filmul cât și secvențele muzicale creionau povestea vieții din copilărie, prin diferitele etape ale adolescenței, tinereții și maturității. Artista a lansat publicului, o invitație. Citez cuvintele ei : “Se spune că singura constantă în Univers este schimbarea…monedele de schimb pot fi : timpul, adevărul, iubirea… Acum, aici, pășim împreună, într-o lume creată de mine, Krisztina Keresztes și de personajele, pe care le invit pe scenă. Vă promit o incursiune într-o dimensiune ușor suprarealistă, care reunește cele 3 elemente.”

Cele trei personaje care au pășit pe scenă au reprezentat metaforele celor 3 monede ale schimbării. Designera a adus pe scenă o lume ușor haotică, dar în esență umană și familiară pe alocuri, prin contrastele ei dure și aparent nefinisate. Publicul a avut posibilitatea să pășească alături de Krisztina și modelele ei, ” într-o prezentare avangardistă, cu un concept dinamic, de tip happening, în care personajele fac o incursiune prin istoria costumului, cu mici zone de interes care poartă elemente tradiționale din diferite zone ale României.”

Colaboratorii Krisztinei în realizarea acestui spectacol unic au fost : Contrast Impex, Revlon Professional România, Visuel România, Intercoiffure România. Krisztina Keresztes a realizat un show de excepție, într-o manieră prezentată în premieră la Satu Mare, plasând astfel ștacheta foarte sus, pentru ceilalți designeri.

Autenticitatea spectacolului a fost subliniată și de prezența celor două modele feminine Monica Bumbuc- Paul profesoară de limba engleză și instructoare de salsa și Simona Nistea, ingineră și instructoare de body-art. Deși nu sunt modele profesioniste, cele două doamne au adus feminitatea autentică pe scena Visual Art Show, având o mișcare scenică de invidiat chiar și de către modelele profesioniste.

Modelul masculin al Krisztinei a câstigat rapid inimile doamnelor din sală, fiind întruchiparea unui Adonis modern, cu un corp perfect, trăsături armonioase și o ținută masculină care îți punea în mișcare simțurile. Krisztina Keresztes este un artist dedicat, talentat și perfecționist, toate detaliile show-ului au fost puse la punct până în cele mai fine și amănunțite detalii.

A fost o încântare, o plăcere și o experiență unică și energizantă prezentarea ei ! Mulțumim Krisztina pentru această bucurie vizuală și senzațiile pe care le-am trăit datorită creației tale ! După un debut efervescent și dinamic, al Krisztinei Keresztes care a intrat pe scenă cu energia unui meteor, spectacolul a continuat cu prezentarea tinerei și talentatei designere Andreea Blaga. Andreea Blaga a absolvit facultatea de design vestimentar în Anglia, la Birmingham City University. Colecția ei de debut, intitulată Hidden Feelings, a fost realizată în anul 2022 și reprezintă viziunea proprie a designerului asupra modei feminine, într-o manieră neobișnuită. Colecțiile Andreei se leagă într-o linie narativă comună, ca într-un serial : a 2-a colecție se întitulează Fallen Angels și este urmată de-a 3-a : ‘The return of the Fallen Angels’.

În seara aceasta designera ne-a prezentat cele două colecții : Fallen Angels și ‘’ The return of the Fallen Angels “ reunite într-o singură poveste, care s-a creionat prin creațiile vestimentare, tratând dualismul ‘’ Înger și demon”, care se regăsește în natura feminină, atât de misterioasă.

Femeia, care poate să fie în același timp înger dar și demon, poate să experimenteze cele mai devastatoare eșecuri, dar totuși are puterea să își refacă viața, este o eroină care trece prin mai multe etape de transformare, trecând prin faza renașterii din propria cenușă, întorcându-se mai puternică și mai îndrăzneața ca oricând, de data aceasta, ca o zeiță învingătoare, stăpână pe propriul ei destin. Linia vestimentară a urmărit să definească cât mai precis formele feminine, punând în evidență frumusețea corpului feminin, accentuat prin corsete, pantaloni mulați, rochii ajustate pe corp.

Dinamismul și tridimensionalitatea au fost redate prin volume supradimensionate și pliuri în exces. Andreea s-a jucat pur și simplu cu decupajele, cu asimetriile și cu accesoriile cu tentă rock : lanțuri, mărgele, elemente metalice, dar și cu volumele realizate prin tehnica gofrării.

Rochiile deosebit de feminine și sexy, s-au accesorizat cu cisme gofrate și cape cu elemente gofrate pe spate, într-un joc deosebit de spectaculos care avea rolul de-a ne arăta talentul nemărginit al artistei. Sacouri decorate cu pietre Swarovski aruncate fără vreo regulă prestabilită, pe un rever, dar și asimetric pe o cusătură laterală, în timp ce în mod total atipic sacoul avea și o trenă transparentă ca o aripă de înger, totul reprezentând o metaforă a personajului care stă la baza poveștii. Cromatica s-a redus la alb și negru, în așa fel încât sclipirile metalice ale accesoriilor, să fie puse în evidență pe fondalul neutru.

Ținutele Andreei au fost gândite să acopere o paletă largă : de la clasic la extrem, pentru a se plia pe mai multe stiluri vestimentare. După spusele Andreei : ‘’ Există doar o linie fină între sensibilitate și dinamism, creațiile se adresează femeilor îndrăznețe și sigure pe ele.” Prin aceste colecții, designera dorește ca fiecare femeile să se simtă speciale în fiecare piesă vestimentară creată de ea.

Următoarea colecție, la fel ca și creatoarea ei, m-a atins sensibil sufletește prin eleganța trăirilor și finețea și sensibilitatea cu care designera Miha Cîrlugea știe să-și transmită mesajul artistic. Mihaela Cîrlugea a absolvit cursurile de modă ale Universităţii de Artă din Cluj-Napoca, licenţă şi master, şi s-a specializat pe produse unicat sau de serie mică, pentru femei. Ca studentă a participat la diferite concursuri cum ar fi Clash of The Artists din New York, unde a obţinut locul doi, Pasarelle – concurs organizat de Ambasada Franţei la Bucureşti sau la Arts of Fashion în SUA unde a fost finalistă doi ani la rând. Cu aceste ocazii a participat la masterclass-uri susţinute de designeri precum Matthieu Blazy, de la Bottega Venetta, Julie Perrin, de la Raf Simons şi Hermes, sau Anthony Vaccarello de la Yves Saint Laurent.

În ţară a colaborat cu designeri precum Adina Buzatu sau George Hojbotă şi firme ca Urma sau Knox. Colecția prezentată la Visual Art Show, se întitulează – AÍRI, fetiţa care călătorea prin timp. Aíri călătoreşte în timp, înainte, înapoi, iar înainte, iar înapoi, ca şi cum s-ar da în leagăn. De fapt este oarecum ca un zbor. Dar îi place şi să stea să admire oamenii, să îşi facă noi prieteni. Lui Aíri îi place să se joace cu păpuşile, frumoase şi urâte, vechi şi noi, pentru că toate au suflet şi îi spun ceva, sau îi amintesc de fiinţe dragi. Colecţia AÍRI are ca surse de inspiraţie ilustraţia japoneză contemporană, elemente goth, dark dar şi motive din perioada victoriană. Rochii mari, oversize, decorate cu păpuşi, corbi, pisici, dantele sau tulle, elemente vechi şi noi, găsite de Aíri în călătoriile temporale.

Trecerea prin timp este simbolizată şi de elemente uşor macabre, ideea de “memento mori”, elemente din epoca victoriană, mâini osoase, umbre, contrast luminos-întunecat. Cromatica este dominată de negru, dar şi gri şi crem, ducând cu gândul la imagini vechi. Pete de culoare dau viaţă ţinutelor deconstruite, recompuse.

Stilul Mihaelei Cirlugea este incontestabil, îl recunoști în fiecare piesă vestimentară, care poartă în ea povestea unei ființe diafane cu ochi mari, cu o privire romantică, cu trăsături de păpușă, apoi dacă privești chipul designerei realizezi, că fiecare pictură manuală transpusă pe materialul textil este o copie a trăsăturilor fine și armonioase ale artistei, dar mai ales a ochilor mari și expresivi, care te privesc înapoi din fiecare creație vestimentară a Mihaelei.

În timpul evoluției pe scenă a colecției, în spate pe led screen, se derula un slide-show cu picturile manuale ale artistei, care au oferit un fundal spectaculos creațiilor vestimentare, precum o expoziție de pictură afișată în parallel cu colecția. Eu personal m-am simțit onorată și foarte bucuroasă pentru faptul că Mihaela a acceptat invitația mea. Eu personal m-am simțit onorată și foarte bucuroasă pentru faptul că Mihaela a acceptat invitația mea. Prezența ei a oferit valoare şi o sensibilitate aparte spectacolului.

Colecția care a închis seara a fost a designerului Zsolt Popa, care crează o colecție personală după o pauză de 7 ani. Zsolt Popa este absolvent al Facultății de Arte Vizuale Oradea. Talentul său creativ, spiritul liber și felul său original de-a fi și de-a crea l-a adus de multe ori în lumina reflectoarelor.

Designul costumelor transcende simpla estetică și acționează ca un dispozitiv de povestire care comunică teme și simboluri. Designerii infuzează adesea costume cu semnificații simbolice care rezonează cu narațiunea. În „Pantera Neagră”, designul costumului nu reprezintă numai tehnologia avansată a Wakanda, ci și mândria culturală, descendența și identitatea. Utilizarea modelelor și materialelor tradiționale africane aduce un omagiu patrimoniului, servind, de asemenea, susținerea narațiunii.

Costumele pot prefigura evenimente sau evidenția contraste între caractere. În „Jocurile Foamei,” Katniss Everdeenungers poartă costume timpurii, redând ideea de practic și funcțional—underscore, rolul ei fiind de luptător pentru supraviețuire. În timp ce hainele ei de mai târziu pentru evenimente reflectă tranziția ei.

Modelele distincte ajută la comunicarea complexității diferitelor tărâmuri sau a viitorului distopic. În dramele contemporane, designerii se îndreaptă adesea spre realism pentru a consolida autenticitatea. În spectacole precum „The Sopranos”, îmbrăcămintea personajelor reflectă statutul lor socio-economic și mediile culturale, împământând povestea în experiențe relatabile și făcând luptele personajelor’ mai tangibile pentru public.

Colaborarea dintre designerii de costume și cineaști, regizori și actori poate duce la inovații în modul în care personajele sunt portretizate. De exemplu, o relație strânsă între un designer și un regizor poate duce la un aspect distinctiv, memorabil, care depășește designul costumelor tradiționale.

Jucători importanți precum Edith Head, Colleen Atwood și Jacqueline Durran au modelat un aspect iconic care rezonează cu publicul și lasă o impresie de durată asupra istoriei cinematografice. Moda în film și televiziune poate servi, de asemenea, ca o oglindă a normelor sociale și a schimbărilor culturale.

Iată câteva capodopere ale industriei filmului , în care costumele sunt remarcabile:

„The Wizard of Oz” (1939) – Vrăjitorul din Oz – Costumele din acest film clasic sunt iconice, în special rochia albastră a lui Dorothy și papucii roșii de rubin, împreună cu ținutele vibrante ale Sperietoarei, Omului de tabla si ale Leului.

„Blade Runner” (1982) – Filmul prezintă o estetică distinctă neo-noir cu costume futuriste. Personajul Harrison FordTechers, Rick Deckard, poartă un trench care a devenit sinonim cu stilul filmului, împreună cu costumele unice ale replicanților și ale altor personaje.

„Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl” (2003) – Costumele cu tematică pirat, în special ținuta eclectică unică a căpitanului Jack Sparrow – inclusiv pălăria sa de tricorn, părul cu mărgele, și unelte de piele detaliate – ca un aspect de semnătură.

” The Grand Budapest Hotel” (2014) – Cu stilul său capricios, acest film prezintă costume specifice, cum ar fi uniformele de hotel roz, purtate de Monsieur Gustave H. Mai mult și costumele stratificate ale personalului hotelului, care contribuie la realizarea de filme cu estetica vizuală distinctă.

„Dune” (2021) – Filmul prezintă costume elaborate care reflectă diferitele culturi ale universului, inclusiv costumele distinctive purtate de fremeni, concepute pentru supraviețuirea în mediul deșertic.

„Mad Max: Fury Road” (2015) – Costumele post-apocaliptice variază foarte mult, dar se caracterizează prin aspectul lor robust și dur. Exemple notabile includ uneltele de luptă ale lui Furiosa și machiajul alb al războinicilor și costumele din piele. „Roman Holiday” (1953) – garderoba lui Audrey Hepburn, în special rochia albă iconică pe care o poartă în timpul escapadei sale romantice din Roma, a lăsat o impresie de durată asupra modei.

„Austin Powers: International Man of Mystery” (1997) – Costumele exagerate, cum ar fi costumele colorate de catifea ale lui Austin Powers, ochelarii de aviator clasici și fustele mini purtate de Elizabeth Hurley, sunt esențiale pentru stilul de comedie al filmului. „Cinderella” (2015) – Filmul include diverse costume frumoase, în special rochia albastră a Cenușăresei, care joacă un rol-cheie în esența povestirii.

Unul dintre filmele care mi-a atras atenția și m-a captivat, în ce privește costumația este ‘’Atlasul norilor’’ . Costumele din „Atlas Cloud” sunt variate și meticulos concepute pentru a reprezenta setările distincte și contextele sociale ale celor șase povești interconectate, care se întind pe epoci diferite, din secolul al 19-lea până la un viitor post-apocaliptic.

Audrey Hepburn : Eleganța atemporală

Crearea total look-ului : Una dintre cele mai clasice imagini ale modei, simbolul atemporal al eleganței rămâne Audrey Hepburn în „Breakfast at Tiffany’s.”

Creată de designerul Hubert de Givenchy, rochia neagră, colierul de perle și stilul impecabil nu numai că au definit caracterul personajului Holly Golightly, dar au transformat-o pe Audrey Hepburn într-o pictogramă a modei.

Aspectul fin și subțirel al lui Audrey devine simbolul unui nou tip de feminitate, sofisticat, dar în același timp abordabil. Ea devine simbolul de feminitate al unei întregi generații de femei, dar și un model pentru posteritate.

Stilul Hepburn a reprezentat o pauză de la ostentativitatea epocilor anterioare, subliniind minimalismul și calitatea. Ce e mai puțin, în realitate poate însemna mai mult și acest concept l-a reprezentat actrița.

Această schimbare a rezonat cu femeile din întreaga lume, influențând liniile de colecții pret-a-porter, care au sărbătorit eleganța fără extravaganță. Comercianții cu amănuntul au început să ofere produse de îmbrăcăminte mai practice, mai purtabile, dezvoltate pe concepte raționalizate, deschizând calea spre moda feminină modernă.

De la personajul său flamboaiant Ziggy Stardust până la alura cool a Ducelui Alb, costumele lui Bowie au fost create pentru a contesta normele societății. A colaborat cu designeri britanici precum Kansai Yamamoto și Freddie Burretti, pionerând fluiditatea de gen în modă prin stiluri avangardiste care combinau masculinitatea și feminitatea.

Bowie devine un pionier al unisex-ului în modă, subliniind ideea că vestimentația este mai degrabă un mesaj, un manifest, un sentiment, o idee decât un veșmânt care să aibă doar funcționalitatea să ne acopere corpul. Bowie crează simboluri prin haine, transmite mesaje publicului său și își exprimă trăirile prin liniile sale vestimentare.

Moda în industria Bowie nu a fost doar o alegere estetică, a fost o declarație despre identitate și auto-exprimare. Utilizarea îndrăzneață a culorilor, texturilor și croielile neconvenționale au încurajat fanii să se elibereze de rolurile tradiționale de gen.

Astfel, el nu numai că a influențat moda, dar a și stimulat discuțiile despre identitatea de gen, ducând la o mai mare incluziune în industrie. Stilurile sale legendare au inspirat artiști și designeri contemporani, de la Lady Gaga la colecțiile neutre din punct de vedere al genului, transformând peisajul modei într-unul care îmbrățișează diversitatea.

Bowie ne-a oferit o paletă infinită de creativitate, formă și culoare, demonstrându-ne faptul că moda este un izvor nesecat de inspirație.

Grace Kelly : Prințesa chic

Cunoscută pentru tranziția ei de la vedetă de la Hollywood la Prințesa de Monaco, stilul de îmbrăcăminte Grace Kelly a fost definit de eleganță, armonie și echilibru.

Stilul inconfundabil al lui Grace Kelly a inspirat designerii de rochii mireasă să creeze rochii sofisticate, clasice și a devenit o muză pentru brandurile de lux. Așa-numitul „Efect Grace Kelly” continuă să influențeze moda mireselor chiar și astăzi, exemplificând atracția durabilă a feminității clasice.

Rihanna : Un icon de modă al modernității

Rihanna și-a construit look-ul în timp : Rihanna’s style evolution—Rihanna și-a dezvoltat stilul de la fata-next-door în „Umbrella” la fashionista îndrăzneață și mogulul de modă, ilustrează o narațiune în continuă schimbare.

4. Moda ca formă de protest social

Moda la fel ca arta, are puterea de a critica și comenta normele sociale, problemele de identitate și narațiunile culturale. Designeri precum Vivienne Westwood au folosit moda pentru a contesta consumerismul, normele de gen și practicile de mediu. Declarațiile făcute prin modă pot rezona la un nivel mai larg al societății, invocând discuții despre rasă, sex, clasă și sexualitate.

5. Spectacolele de modă ca artă performantă

Spectacolele de pe podiumurile de modă nu sunt doar instrumente de marketing; sunt spectacole de teatru care îmbină moda cu arta. Designerii creează adesea experiențe imersive, folosind muzică, coregrafie și design scenic pentru a transmite teme și narațiuni. Aceste spectacole pot evoca răspunsuri emoționale similare cu cele pe care le-ați putea experimenta într-o galerie, sau la teatru.

7. Modă și identitate

Moda servește ca un mijloc puternic de auto-exprimare și construcție a identității. Stilul individual reflectă adesea gusturile personale, mediile culturale și contextele sociale. În acest sens, îmbrăcămintea pe care o purtăm devine o narațiune vizuală a cine suntem, stabilind astfel moda ca o formă personală de artă vizuală.

8. Intersecţia cu alte domenii ale artei

Colaborările dintre modă și alte domenii ale artei cum ar fi muzica, literatura și pictura îmbogățesc ambele tărâmuri. Designerii pot colabora cu artiști vizuali pentru colecții care provoacă sau extind narațiunile tradiționale de modă. De exemplu, colaborările dintre designerii de modă și artiștii contemporani duc adesea la colecții care devin piese de artă colecționabile.

Pe lângă aceste aspect, moda a servit mult timp ca un instrument al protestelor sociale, moda-manifest, reflectând valorile culturale, normele sociale și mișcările politice ale perioadei. Iată câteva exemple notabile de modă ca formă de protest social:

2. Mișcarea Punk (1970-1980) : Moda punk, caracterizată prin haine rupte, jachete din piele și accesorii provocatoare, a fost o reacție directă împotriva culturii mainstream. Prin îmbrățișarea esteticii anti-establishment, reprezentanții mișcării punk au criticat consumerismul, autoritatea și normele societății. Designeri precum Vivienne Westwood au folosit elemente punk, pentru a contesta convențiile tradiționale.

3. Black Lives Matter și Streetwear : Creșterea mărcilor de îmbrăcăminte stradală, cum ar fi Off-White și Fear of God, încorporează adesea mesaje sociale și promovează egalitatea rasială. Îmbrăcămintea cu sloganuri legate de mișcarea Black Lives Matter, de exemplu, servește la creșterea gradului de conștientizare cu privire la rasismul sistemic și brutalitatea poliției, făcând purtătorii acestor veșminte, părți importante ale dialogului privind justiția socială.

4.Echipa CFDA 2014 a Rihannei : Când Rihanna a purtat o rochie cu mărgele la CFDA Fashion Awards, a declanșat discuții intense despre imaginea corporală, sexualitatea și percepțiile sociale ale femeilor. Alegerea ei îndrăzneață a contestat normele tradiționale din jurul modestiei asupra expresiei personale și a prezentat încrederea femeii în exprimarea de sine.

5. Colecția „Guccy” (2017) : Această colecție exprimă impactul fast-fashion asupra consumatorilor. Folosind o estetică retro și reinterpretând logo-ul mărcii, Gucci a atras atenția asupra naturii branding-ului și consumului, estompând liniile dintre moda de înaltă calitate ( glamour ) și îmbrăcămintea stradală.

6. Colecția „Trash Bag” de la Balenciaga (2018) : Această colecție a atras atenția asupra risipei în industria modei și asupra implicațiilor mai largi ale consumerismului. Elementele colecției, care semănau cu saci de gunoi, au provocat discuții despre sustenabilitate și impactul consumului excesiv asupra mediului.

7. Body Positive Movement: Mărci precum Savage X Fenty și Aerie au îmbrățișat diversitatea corpului, folosind platformele lor pentru a promova pozitivitatea și incluziunea pentru diversele forme ale corpului. Campaniile lor prezintă adesea modele de diferite forme, dimensiuni și gabarite, provocând standardele tradiționale de frumusețe și încurajând acceptarea de sine.

9. Omagiu adus contextelor istorice : Designeri precum Alexandre Vauthier și Moschino au creat colecții care aduc un omagiu și critică diferite epoci istorice, subliniind aspecte precum rolurile de gen, imperialismul și diferențele de clasă socială, adesea, folosind moda ca instrument, pentru a discuta aceste teme complexe.

Prin aceste exemple, este clar că moda nu este doar o formă de auto-exprimare, ci și un mijloc pentru un dialog social mai vast, provocând normele societății și declanșând discuții asupra problemelor sociale stringente. Între timp, spectacolele de modă au evoluat într-o formă unică de artă performativă, depășind rolul lor tradițional ca simple platforme pentru prezentarea îmbrăcămintei.

Epoca Renașterii, care se întinde între secolele 14 și 17, a marcat o perioadă de renaștere culturală, artistică și intelectuală semnificativă în Europa. Această transformare a avut o influență profundă asupra modei în diferite moduri:

Renașterea a încurajat concentrarea asupra experienței individuale și umane, care s-a extins și în domeniul modei. Oamenii au început să-și exprime individualitatea prin alegerile lor de îmbrăcăminte personale, ceea ce a dus la diverse stiluri care reflectau preferințele personale și statutul social.

Accentul se pune pe opulență, deoarece perioada Renașterii a fost caracterizată de bogăție și de patronajul asupra artelor, din partea claselor sociale superioare. Astfel îmbrăcămintea a devenit un spectacol de bogăție și frumusețe, oferind țesături de lux , cum ar fi mătase, catifeaua și brocartul, adesea împodobite cu broderii complicate, bijuterii și ornamente.

Renașterea a adus modificări chiar și în tehnicile de croitorie, prin apariția modelelor mai sofisticate. Îmbrăcămintea a început să fie adaptată pentru a se potrivi mai fidel corpului, îndepărtându-se de stilurile teatrale ale perioadei medievale.

Această schimbare a permis siluete mai structurate, subliniind talia și creând o formă mai definite și mai apropiată corpului uman. Moda în timpul Renașterii aduce și o diferențiere tot mai accentuată a costumului, între sexe.

Pe lângă diferențierea de gen, moda Renașterii aduce o varietate și în diferențierea regională. Moda a variat semnificativ în diferite regiuni din Europa. De exemplu, Renașterea italiană a favorizat culori bogate și decorațiuni generoase, în timp ce Renașterea de Nord a prezentat stiluri mai modeste, cu accent pe măiestria detaliată și pe textile.

Artiști precum Botticelli și Raphael au descris stilurile de îmbrăcăminte contemporane în lucrările lor, influențând tendințele modei și creând o imagine a eleganței și rafinamentului pe care oamenii au dorit să o reproducă.

Accesoriile au devenit esențiale în timpul Renașterii. Rochiile cu gulere supradimensionate, curele decorative și pălării elaborate, au fost populare. Bijuteriile au devenit mai complicate și mai simbolice, adesea semnificând bogăția.

Epoca Renașterii a avut un impact durabil asupra modei prin promovarea expresiei individuale, a stilurilor de lux și a tehnicilor complicate de croitorie. Schimbările culturale ale epocii au pus bazele dezvoltărilor ulterioare în moda europeană, creând o cale spre practicile sartoriale moderne.

2. Era Victoriană (1837 – 1901)

Siluetele structurate ale epocii victoriene, cu corsete, busturi proeminente și straturi suprapuse, sunt reinterpretate în modelele moderne care explorează teme ale feminității și asumării feminine. Designeri precum Alexander McQueen și Vivienne Westwood folosesc elementele victoriene pentru a comenta normele societății și pentru a crea colecții spectaculoase.

3.Anii 1920 – Epoca ‘’The Great Gatsby ‘’

Spiritul fără griji al gălăgioșilor ani ‘’20, se reflectă în dezvoltarea rochiei flapper, tunsoarea bob și explozia de franjuri și paiete. Prada crează costumele filmului ‘’The Great Gatsby’’, readucând pe scena modei contemporane, efervescența și luxul rochiilor anilor ‘’20 cu franjurile, broderiile și fascinația lor sclipitoare.

4.Al Doilea Război Mondial și Moda post-Război

Lipsurile și neajunsurile din timpul războiului, au dus la inovații în îmbrăcămintea practică și funcțională, influențând moda durabilă modernă. Dar ca o reacție a modei utile se naște epoca „New Look” de la sfârșitul anilor 1940, care redefinește feminitatea și luxul, oferind un exemplu interesant, modului de abordare a siluetelor, din partea designerilor moderni.

5. Anii 1960 și 70 – Revoluțiile sociale

Cultura tineretului, mișcarea Flower Power, au inspirat culori îndrăznețe, siluete nestructurate și stiluri androgine. Designeri precum André Courrèges și Pierre Cardin au împins granițele modei spre o lume plină de culoare și creativitate. Moda devine manifest, asistăm la politizarea modei, inclusiv apariția pieselor de declarație, ce au inspirat mișcări precum punk în anii 1970, care au îmbrățișat estetica și rebeliunea DIY.

Pe de altă parte, arta în sine a reprezentat, o sursă de inspirație pentru mulți designeri. Artiștii de-a lungul istoriei au explorat teme de frumusețe, identitate și cultură care au influențat lumea modei.

De la modelele geometrice îndrăznețe ale lui Piet Mondrian până la creațiile suprarealiste ale lui Salvador Dali, arta a servit ca o sursă bogată de inspirație pentru designerii care doresc să împingă limitele modei tradiționale, spre domenii interesante și inedite.

Colaborarea dintre modă și artă, se poate de asemenea recunoaște, sub forma unor colaborări între designeri și artiști : de la colaborarea lui Yves Saint Laurent cu Piet Mondrian, până la parteneriatul lui Louis Vuitton cu Takashi Murakami, ducând la colecții unice și inovatoare care dizolvă granițele dintre modă și artă.

În anul 1960 Saint Laurent crează o colecție de rochii inspirate de picturile geometrice iconice ale lui Mondrian, cu culori primare îndrăznețe și linii grafice curajoase. Această colaborare a dizolvat cu totul granițele dintre modă și artă, aducând arta înaltă în lumea modei de înaltă calitate, fiind cu adevărat revoluționară pentru acea vreme.

Saint Laurent s-a făcut cunoscut pentru designul său innovator, iar arta abstractă a lui Mondrian a oferit inspirația perfectă pentru el pentru a crea ceva cu adevărat unic. Picturile iconice ale lui Mondrian în culori îndrăznețe, primare și forme geometrice au fost traduse cu măiestrie în designul lui Saint Laurent.

Colecția Mondrian de Yves Saint Laurent a fost întâmpinată cu aprecieri critice și a devenit un moment definitoriu în istoria modei. Acesta a exemplificat puterea de colaborare între artiști și designeri, arătând modul în care diferite discipline creative se pot uni pentru a crea ceva cu adevărat extraordinar.

Această colaborare a deschis, de asemenea, calea pentru parteneriate viitoare între designeri și artiști, inspirând un nou val de influență artistică în industria modei. A demonstrat că moda nu se referă doar la îmbrăcăminte, ci și la expresie, creativitate și depășirea limitelor – care reflectă etosul lumii artei.

În general, colaborarea dintre Yves Saint Laurent și Piet Mondrian rămâne o dovadă a puterii durabile a artei și a modei de a inspira, influența și inova.

Acesta servește ca o reamintire a potențialului transformator al parteneriatelor creative și a capacității artiștilor și designerilor de a împinge limitele și de a redefini limitele industriilor.

Un alt exemplu este opera designerului Elsa Schiaparelli, care a colaborat cu artiști precum Salvador Dali și Jean Cocteau pentru a crea articole de îmbrăcăminte avangardistă care erau atât portabile, cât și demne de muzeu.

Utilizarea inovativă a motivelor suprarealiste și a tehnicilor experimentale ale lui Schiaparelli a împins limitele modei ca formă de artă. În general, intersecția dintre modă și artă permite un schimb dinamic de idei și creativitate între cele două discipline.

Elsa Schiaparelli a fost un adevărat pionier în lumea modei, cunoscută pentru modelele sale îndrăznețe și imaginative care au estompat liniile dintre artă și modă. Ea a fost o figură cheie în mișcarea suprarealistă, colaborând cu artiști precum Salvador Dali pentru a crea piese iconice care au fost cu adevărat înaintea timpului lor.

Una dintre cele mai faimoase colaborări ale lui Schiaparelli a fost cu Dali pe „Lobster Dress”, o rochie izbitoare cu un motiv de homar proiectat de artistul însuși. Această piesă este un exemplu perfect al dorinței lui Schiaparelli de a împinge limitele și de a contesta noțiunile tradiționale de frumusețe în modă.

Între timp s-a accelerat foarte mult ritmul tendințelor modei, prin fluxul constant de conținut partajat pe platforme precum Instagram și TikTok, tendințele devenind virale peste noapte.

În general, social media a revoluționat industria modei, făcând-o mai accesibilă, interactivă și rapidă. A dat o voce unei game mai largi de persoane și a permis o reprezentare mai diversă a modei și a frumuseții. Pe măsură ce social media continuă să evolueze, impactul său asupra industriei modei va crește probabil tot mai puternic.

Social media a devenit în același timp, o platformă pentru viitorii designeri, o vitrină virtuală pentru a-și prezenta munca și a aduna urmăritori. Cu ajutorul hashtag-urilor și a publicității direcționate, designerii în devenire pot ajunge la un public mai larg și pot câștiga recunoaștere pentru colecțiile lor.

Acest lucru a perturbat ierarhia modei tradiționale și a permis o gamă mai incluzivă pentru diverse voci din industrie. În plus, social media a revoluționat modul în care consumatorii cumpără produsul de modă. Odată cu creșterea numărului de influenceri și a bloggeri de modă, mulți oameni se inspiră de pe social.

În concluzie, accesibilitatea social media a avut un impact profund asupra industriei modei, permițând o mai mare diversitate, incluziune și creativitate.

Pe măsură ce social media continuă să evolueze, va fi interesant să vedem cum influențează în continuare peisajul modei în anii următori.

Chiar și modul de comercializare al produselor a fost influențat de social media. În trecut, companiile se bazau pe forme tradiționale de publicitate, cum ar fi reclame TV, anunțuri tipărite și panouri publicitare, pentru a ajunge la publicul țintă.

Odată cu creșterea platformelor de social media, cum ar fi Instagram, Facebook și Twitter, brandurile au acum posibilitatea de a se conecta direct cu clienții lor într-un mod mai personalizat.

Unul dintre avantajele majore ale marketingului social media este faptul că brandurile pot folosi datele de pe aceste platforme pentru a crea reclame direcționate care sunt mai susceptibile de a rezona cu clienții lor ideali.

În plus, social media permite campanii de marketing mai interactive și mai interesante. Brandurile pot crea concursuri, cadouri și campanii de conținut generate de utilizatori pentru a-și încuraja publicul să participe activ la eforturile lor de marketing. Un alt beneficiu al marketingului social media este capacitatea de a primi feedback în timp real de la clienți.

Brandurile pot utiliza social media pentru a monitoriza comentariile și feedback-ul clienților, permițându-le să abordeze rapid orice probleme sau preocupări care pot apărea. Social media a revoluționat modul în care consumăm și ne implicăm în modă, accelerând rapid ritmul tendințelor și influențând industria în moduri semnificative.

Mărci precum Zara, H&M și Forever 21 au valorificat viteza social media și au ajuns să transforme rapid noile modele inspirate de spectacolele de modă sau stilurile populare văzute la influenceri și celebrități. Acest lucru a dus la o cultură a modei de unică folosință, în cazul în care tendințele vin și merg la viteza fulgerului, iar consumatorii sunt în mod constant încurajați să cumpere cele mai recente look-uri.

Influencerii și bloggerii de modă joacă, de asemenea, un rol semnificativ în ritmul rapid al tendințelor modei pe social media. Acești indivizi au puterea de a ajunge la milioane de adepți cu o singură postare, făcându-i instrumentali în popularizarea noilor stiluri și modele.

Alegerea Sorinei, în direcția designerului Zsolt Popa pentru conceperea colecției, nu a fost deloc întâmplătoare, ținând cont de inspirația colecției, de talentul unic al designerului și de interesul său, pentru portul popular din Țara Oașului și elementele folclorice specifice acestui ținut.

Zsolt s-a născut și a crescut pe aceste meleaguri, este pasionat de etnografie și de culegerea elementelor de folclor, este un specialist și un cunoscător în detaliu al portului popular din această zonă și nu numai, este pasionat de arta populară, cunoscând toate etapele de realizare a acestor veșminte, care poartă o bogăție culturală atât de vastă. Munca designerului a fost susținută, completată și desăvârșită cu măiestrie, de întreaga echipă Inedit.

În decursul carierei mele de inginer textilist, mai apoi ca designer, organizatoare de evenimente de modă, Echipa Inedit și Sorina Tulan, au fost mereu, un partener de încredere și un exemplu pe care l-am admirat și l-am urmărit cu respect și considerație : pentru tot ceea ce a construit această femeie de afaceri puternică, pentru ambiția sa, pentru munca sa susținută, curajul, tenacitatea și consecvența sa, chiar și în momentele cele mai grele ale activității de creație, pentru că industria textilă sătmăreană a cunoscut și numeroase provocări.

Prezentările de modă organizate de Echipa Inedit, întotdeauna au fost un moment de referință pentru Moda sătmăreană și prezentarea colecțiilor Inedit, de primăvară-vară și toamnă-iarnă, reprezentau spectacole așteptate cu interes și nerăbdare, de publicul sătmărean.

Spectacolele de modă organizate de Inedit aveau întotdeauna o tematică, se inspirau dintr-o poveste și ne călăuzeau pe toți privitorii în lumea stilului desăvârșit, al eleganței, reprezentând un reper important, al modei sătmărene. Joi seara am avut un sentiment de deja-vu, parcă spectacolele de altădată ar fi prins viață și catwalk-ul din sala de muzeu, a devenit un caleidoscop al colecțiilor de ieri, de azi, de mâine, de parcă acolo, atunci tot conceptul Inedit s-ar fi redefinit prin Colecția Etnoglam, ca printr-o profesiune de credință.

Meritele Sorinei Tulan ca antreprenor de succes, au fost recunoscute pe plan local, atunci când la finalul lunii februarie, Prefectul Radu Roca i-a oferit o diplomă de excelență, pentru faptul că a reprezentat cu firma pe care o conduce, România dar și județul și municipiul Satu Mare, în cadrul unui eveniment special în China. Aș vrea să citez cuvintele D-lui Prefect : ‘’Felicitări nu doar pentru ce ați făcut pentru România și pentru județul Satu Mare în China la sfârșitul lui februarie… felicitări pentru că ați demonstrat că ați dus la un nivel mondial tradiția industriei textile cu care Satu Mare se mândrește de zeci de ani.”

Colecția Etnoglam a fost foarte bine primită de publicul prezent la Beijing, în cadrul evenimentului monden, organizat de Institutul Cultural Român, la care au mai participat îndrăgiții artiști Gheorghe Turda, Dan Helciug și Georgiana Pană și a fost moderat de realizatoarea TVR, Marina Almășan.

Când s-a derulat Colecția Etnoglam în fața ochilor mei, am văzut în spatele ei Echipa Inedit, dar și familia Tulan : munca de decenii a Lilianei Lupașcu sora Sorinei, ajutorul nemijlocit al lui George, soțul ei și al fiecărui membru al familiei, care s-au pus în spatele Sorinei, ca o structură puternică de rezistență, fără de care edificiul construit de câteva decenii, nu ar sta azi semeț și trainic în picioare.

Colecția este cu atât mai valoroasă cu cât, se recunoaște în ea, creativitatea și talentul nemărginit al designerului, profesionalismul și experiența tehnicianului și a inginerului textilist, cunoștiințele tehnicianului de tipare, care a făcut transpunerea schiței pe material, măiestria croitoreselor care au dat viață prototipului, al muncitoarelor care au executat cu grijă broderiile și al tuturor membrilor echipei, care și-au adus aportul la realizarea acestei colecții.

Prin munca Echipei Inedit, Colecția Etnoglam este un tot unitar, inspirat din costumul popular din Țara Oașului, disecat până la elementele sale de bază, care au devenit simboluri și elemente ritmice, pe care le recunoști în piesele colecției : volanele fustei oșenești cu cloșul lor amplu, pantalonii largi ai oșanului, brâul lat care marchează talia, mânecile bufante sau largi și supradimensionate, șiragurile de mărgele, broderiile cu pietre cu străluciri fine, benzi de dantele lucrate manual, utilizate ca elemente decorative, care revin ca un lait motiv în piesele colecției.

Cașmirul înflorat a devenit un centru de interes, combinat prin detalii și decupaje îndrăznețe cu elementele uni în alb sau negru, neutralizând bogăția de culori a țesăturii baticurilor, cele mai de preț poadoabe capilare ale oșencelor. Colecția este pret-a-porter, purtabilă și versatilă, tocmai pentru a se adresa unui public larg, care știe să aprecieze măiestria rafinată, eleganța și un stil elaborat.

Elemente de contrast se regăsesc și în construcție : linia verticală a rochiei, contrastează cu construcția tridimensională a mânecii, care devine intrinsec, punctul de atracție al piesei. În timp ce priveam, am făcut un exercițiu de imaginație și mi-a apărut în fața ochilor, dansul oșenesc, cu vitalitatea și bucuria pe care o emană, explodând în culori vii și exuberante prin trandafirii cașmirului colorat.

Designerul a căutat să ne echilibreze privirea, combinând elementele viu colorate în galben auriu, verde țipător și ciclame, cu elemente neutre uni, în alb și negru. Apoi, din nou facem o incursiune în elementele de bază ale veșmântului popular : pantalonii largi ai oșanului, transpusi în pantaloni fluizi și eleganți, construiți din benzi de material colorat combinat cu material uni, într-un joc transparent-opac, fusta oșencelor largă, în cloșul cu volane ample, risipă mare de material, căci oșanul nu ‘’ șoinălește ’’ materialul, când vrea să se dichisească.